El Oso y el Madroño, Navarro Santafé (Madrid, 1967)
Aunque casi toda la gente que pasa por la Puerta del Sol se fotografía junto al Oso y el Madroño, símbolo de la Comunidad de Madrid, pocos saben que el autor de esta escultura en bronce de 4 metros, Antonio Navarro Santafé, nació en Villena (Alicante).
Raíces del alma, Ányel Martínez ( Villena, 2026)
Mi corresponsal en la ciudad, Pedro Sanjuan, me informa de que con motivo del nacimiento del escultor hace 120 años, el pasado 21 de mayo se ha colocado en el paseo Chapí una moderna recreación elaborada por el artista villenero Ányel Martínez que lleva el título de " Raíces del alma". La escultura mide 4,5 metros y su estructura está revestida con chapa de acero corten que generará con el tiempo tonos, matices y texturas como si fuera una piel viva. Destaca la copa del árbol, formada por 28 ramas y un total de 4.444 hojas metálicas. De esta manera la obra de Navarro Santafé no solo sigue siendo un icono de Madrid, sino que también tiene un lugar especial en su ciudad natal, recordando sus raíces y su contribución al arte español. La escultura pretende ser un reclamo turístico y convertirse en un símbolo de la cludad que sabe aunar perfectamente la tradición con la modernidad
Al fondo a la izquierda, pintada de granate, la casa de mi abuela
A mí la escultura me ha parecido original y bellísima. Además me ha emocionado ver la foto con la casa de la esquina con Cristóbal Amorós donde vivió alquilada la familia de mi madre y yo pasé muchas vacaciones. La colocación en el comienzo del Paseo es un acierto y un modo de emular al Paseo del Prado de la capital. Así, la nueva escultura homenajea al escultor que realizó la estatua de Chapí situada al final del paseo, y de allí nos lleva a la estación que une Villena con Madrid, donde existe una réplica del famoso oso. De esta manera se unen estos dos villeneros universales, el escultor y el músico, que vivieron en la capital, al mismo tiempo que nos demuestra que la sangre artistica sigue latiendo en los jóvenes de la ciudad. Hay savia nueva para rato.
El interés del escultor por los plantígrados rampantes ha hecho que Villena los utilice de tamaños y materiales diferentes como emblemas en el siglo XXI. Es sorprendente que una ciudad que solo vio osos en los libros, en el zoo, en el circo o en películas, los convierta en un motivo de decoración en sus calles. Desconozco si habrá algún madroño vivo dando sombra a la ciudad.
Una producción de la Asociación para el Desarrollo del Alto Vinalopó en el año 2002. Plan Proder. Realizado por... Ferquiam Producciones.
Fue ideado, escrito, grabado, montado e incluso comentado por villenenses, como Paco Arenas, Fernando Quiles y Ernesto Pardo, que pusieron todo su empeño en realizar un trabajo digno. Nos queda la satisfacción de que cuantos han visionado este video lo han alabado en toda su extensión. Está enfocado como si lo relatara un músico de los que hacen el recorrido de localidades con fiestas de Moros y Cristianos. Música original de Antonio Molina Navalón.
Fernando Bonete en la biblioteca del Ateneo de Madrid
Fernando Bonete es un apasionado de la lectura. Profesor titular de la Universidad de Nebrija a través de Instagram comparte su experiencia literaria para contagiar su afición a los demás. Lee más de 140 libros al año, es el ‘bookstagrammer’ con más seguidores de España: casi medio millón de personas siguen sus recomendaciones literarias.
“No es que los jóvenes lean poco. La sociedad española lee poco”
¿Los bookstagrammers están
sustituyendo a los críticos literarios convencionales?
Respuesta. Yo creo que son complementarios. Pueden convivir.
Hay puntos de cruce o unión, pero tienen propósitos diferentes. El crítico
literario tiene el propósito o puede llegar a tener el propósito de iluminar la
obra o al lector sobre una obra, desentrañar su sentido, su fondo, intentar
hacer comprender la obra en un sentido muy profundo. El divulgador de cultura
en redes sociales no tiene esa misión, sino la de hablar de su experiencia
leyendo ese libro e ir directamente al grano de si la obra le ha gustado y por
qué.
Esta vez conseguí entradas para el concierto homenaje al gaditano Manuel de Falla ciento cincuenta años después de su nacimiento. Llegué a duras penas al Auditorio porque Madrid estaba paralizada por una maratón. Sentada cerca a de los violines, gocé de los lugares, sensaciones y sentimientos a los que me lleva la música de este genio de la música española y universal que supo unir la tradición y la modernidad, lo culto y lo popular. Me sorprendieron sobre todo las obras de su etapa parisina que no conocía: «À Claude Debussy (Elegía de la guitarra)», «À Paul Dukas (Spes Vitae)» y «Pedrelliana», dedicada a Felipe Pedrell, su gran mentor y verdadero padre estético.
Y me volví a turbar con la canción del Fuego fatuo con texto de María Lejárraga, aunque históricamente firmada con el nombre de su esposo, Gregorio Martínez Sierra.Una historia de celos y amor, y la superación de estos dos fuertes sentimientos por parte de la protagonista, que ve cómo se le aparece su difunto amor continuamente como un espectro (fuego fatuo) celoso por su relación con su nuevo amante.
Canción del Fuego fatuo
Lo mismo que er fuego fatuo,
lo mismito es er queré.
Le huyes y te persigue,
le yamas y echa a corré.
¡Lo mismo que er fuego fatuo,
lo mismito es er queré!
Nace en las noches de agosto,
cuando aprieta la calor.
Va corriendo por los campos
en busca de un corasón...
¡Lo mismo que er fuego fatuo,
lo mismito es er queré!
¡Malhaya los ojos negros
que le alcanzaron a ver!
¡Malhaya er corasón triste
que en su yama quiso arder!
¡Lo mismo que er fuego fatuo se desvanece er queré!
El diario Público ha lanzado un videopódcast de cuatro episodios "Franquismo para jóvenes: entender el pasado para defender la democracia", presentado por Inés García y Paula Ducay, con el objetivo de explicar la dictadura española a las nuevas generaciones. Este formato busca combatir el desconocimiento histórico y la creciente idealización de la figura de Franco entre los jóvenes.
En el primer episodio se abordan los avances en derechos y libertades durante laII República, con especial atención a la educación laica y gratuita; las conquistas delfeminismo empezando por el derecho a sufragio; la explosión cultural de la época; o la propia ordenación del Estado a través de autonomías. Una España moderna que quedó condenada al ostracismo tras la victoria de Franco.
En este video analizamos por qué trabajadores votan a PP y VOX, partidos que impulsan políticas que los perjudican directamente, explicado desde la teoría de Pierre Bourdieu. Exploramos cómo la dominación más efectiva no es la que se impone por la fuerza, sino la que los dominados interiorizan como natural y defienden activamente. Analizamos el capital simbólico: cómo Rosa acumula "dignidad" y "reconocimiento" cuando no puede acumular dinero, distinguiéndose como "trabajadora esforzada" frente a "las vagas"...
A lo largo de la historia las personas han empleado la vestimenta para identificarse, teniendo en cuenta el contexto y la posición social que desempeñaban.El uso del color blanco para las novias, que tradicionalmente se asociaba con la pureza y la inocencia, se produjo en Inglaterra en el siglo XIX. Pero no fue hasta 1840, en la boda de la reina Victoria, cuando se puso de moda en las clases altas y aristocráticas. Hasta entonces las mujeres se casaban con sus mejores galas. Un traje de novia venia a ser un traje de fiesta, con mantilla, sombrero o velo, y del color que quisiera, incluso un traje regional servía. El color negro se utilizaba porque se consideraba elegante,por la obligación de llevar luto por la muerte de un familiar y, sobre todo, porque podía servir en otras ocasiones. En las clases medias y bajas no había dinero para comprar un traje que sólo se utilizase una vez.
Bodas de negro
Si nos imaginamos una novia, en nuestra mente surge la imagen de una mujer vestida de blanco con un traje de larga cola y un velo tul ilusión* tal y como aparecía en las películas americanas y en los recortables. Pero si miramos en nuestro álbum de fotografías familiares, vemos que nuestras abuelas y la mayoría de nuestras madres se casaban vestidas de negro, sin velo y con un traje corto que a veces era un elegante traje de chaqueta. No había fotógrafos en las ceremonias y el matrimonio acudía unos días después a hacerse una foto en un estudio. Las novias de la posguerra, época de represión, escasez y atraso que coincidió con el fin de la Segunda Guerra Mundial, solían vestir muy recatadas*, no se admitía en la iglesia un traje sin manga larga y escotado como en las postrimerías del siglo XX cuando se fue adaptando a la actualidad. En España, las primeras novias vestidas de blanco, salvo algunas excepciones, aparecieron en torno a los años cincuenta. La duquesa de Alba fue una de las pioneras, se casó un 12 de octubre de 1947, día de la Fiesta Nacional.
Boda de la duquesa de Alba
*La práctica de usar velo se remonta a la antigua Roma y Grecia, donde se creía que protegía a las novias de los malos espíritus. Con el tiempo, el velo se convirtió en un símbolo de modestia y pureza en diversas culturas. Tul ilusión era el extraño vocablo aplicado a los velos de novia. El tulproviene de la ciudad francesa Tulle, conocida en el siglo XVIII por la seda y el encaje.
* Se cuenta la anécdota de que un sacerdote, joven con ideas viejas en los años 60, avisaba que si la novia se presentase con un traje sin manga larga y escotado, no les casaría.
La boda de mis padres
La boda de mis padres fue atípica para el contexto y muy parecida a las bodas de los años posteriores. Mi madrefue la primera mujer que después de la guerra se casó de blanco en la iglesia de Santiago en Villena, el 2 de agosto de 1947 a las 12 de la mañana. La fecha coincidía con el santo de su suegra Ángeles que llegó a comprar una alfombra para que la llevase al altar. Su boda fue todo un acontecimiento en el pueblo, la gente se arremolinó en los alrededores para verla como si fuera una estrella de Hollywood. Hubo muchos invitados, convite y multitud de regalos. En esos años de penuria, sorprendentemente, la fábrica de clavos familiar estaba en su mejor momento. Contrataron un fotógrafo pero las fotos salieron a lunares debido al calor insoportable. Pasaron la noche en el hotel Palace de Alicante y el viaje de novios en Palma de Mallorca. Ella iba de blanco con tul y larga cola, él con uniforme militar. Mi madre no lo pasó bien con todos los ojos centrados en ella, no hablaba nunca de su boda como tampoco mi padre lo hacia de la guerra civil. Dicen que mi abuela materna, viuda con otros tres hijos, suspiró aliviada: su hija mayor había hecho una buena boda. El tiempo demostró después que había hecho un buen matrimonio. Mi madre no fue reina por un día, lo fue hasta que murió mi padre, cuarenta y siete años después. La foto de la espectacular dama de blanco, siempre en la alcoba matrimonial, nos acompañó en todos los traslados.
Carmen Bravo, la dama de blanco
P.D. (23 de abril)
La prima de mi madre Juanita Prats y su marido Andrés Hernández Hurtado me han mandado una foto del enlace que está en su álbum familiar. A pesar de que la imagen está arreglada, se puede observar el granulado que impide la nitidez. Mi abuela Ángeles Caturla tenía problemas de visión y no quiso ser la madrina. En su lugar, mi abuelo Emilio Cuéllar ejerció como padrino. La madrina con mantilla y peineta fue Vicenta Esquembre Hurtado, casada con Vicente Prats, en lugar de mi abuela Carmen Prats que estaba de luto por la muerte de su marido. En primer plano, como pajes figuran Roberto y Mª Ángeles Marco Cuéllar, hijos de Leonor la hermana de mi padre. La foto recuerda sin buscarlo la cualidad impresionista derivada del puntillismo del pintor Seurat.
La niña de luto
El luto en España era la manifestación pública del duelo por el que atravesaba una familia, obligaba a vestir de negro el día del matrimonio y evitaba toda actividad de la vida social. La observancia del luto se regía por un riguroso calendario que señalaba los períodos de luto a guardar según el grado de parentesco con el difunto. Paradójicamente, el color negro servía de unión entre funerales y matrimonio, un ejemplo más de cómo afecta la muerte a los vivos. Un perpetuo vivir en Semana Santa. Mientras los varones seguían acudiendo al trabajo, las mujeres eran las más afectadas, obligadas a recluirse en casa al menos durante los primeros seis meses desde el fallecimiento. En 1964, el cineasta Manuel Summers dirigió la películaLa niña de luto, una comedia costumbrista con buenas dosis de humor negro, que narra las vicisitudes de una pareja de novios que reflejaba y condenaba una realidad todavía vigente en algunos lugares de España. La niña vestida de luto no podía casarse y no valía ni la radio encendida, ni el canario cantando, ni las macetas en el balcón, ni la corbata de color, ni la cervecita en el bar, ni las persianas subidas. Los protagonistas eran Rocío y Rafael, encarnados, respectivamente, por los actores María José Alfonso y Alfredo Landa. Rocío, hija de una humilde familia andaluza, está muy contenta porque llega el final del luto que ha de guardar por la muerte de su abuela. Por fin podrá casarse con Rafael, su novio. Pero al día siguiente, su abuelo come demasiado en un bautizo, y muere de una indigestión. De nuevo, Rocío tiene que guardar luto y aplazar la boda.
Un momento del traslado del Cristo de la Columna de Villena, con el concierto de Lapili
El pasado viernes 27 de marzo de 2026 (Viernes de Dolores), se produjo un llamativo encuentro en Villena entre el fervor religioso y la música urbana contemporánea que se volvió viral. Como no vivo allí, solo me he enterado por la prensa del extraño encontronazo días después, cuando la Asociación Española de Abogados Cristianos anunció acciones legales contra el Ayuntamiento por un presunto delito de escarnio contra el sentimiento religioso. Sólo tengo que añadir que Pilar Vila, conocida en redes como "La Pili" o Daikyri, es la hermana mayor de Rosalía, una figura clave en su carrera, funcionando como su estilista y directora creativa.
La información que incluyo la ha generado IA :
El Encuentro: Procesión y Concierto
La coincidencia ocurrió durante el Traslado del Cristo de la Columna:
Paso de Procesión: La imagen del Cristo de la Columna, portada por la Hermandad del Santo Sepulcro, realizaba su traslado desde la Parroquia de Santa María hasta la Iglesia Arcedianal de Santiago.
Concierto de Lapili: Simultáneamente, la artista Lapili (conocida por "Cómeme el donut") ofrecía un concierto gratuito en la Plaza Mayor a las 20:00 h.
El momento viral: Al pasar el trono por las inmediaciones de la Plaza Mayor, el sonido de los tambores y las cornetas de la procesión se mezcló con los ritmos urbanos del concierto. Este cruce generó un debate en redes sociales sobre la organización municipal y la convivencia de eventos culturales y religiosos.
Contexto de los Eventos
Estigma Festival: El concierto de Lapili formaba parte de este festival impulsado por la Fundación Sanamente, centrado en la salud mental y la diversidad.
Semana Santa de Villena: El traslado es uno de los actos tradicionales que marcan el inicio de la programación de Semana Santa en la ciudad.
Reacciones: La situación generó un intenso debate público. La propia artista y diversos usuarios en redes como Instagram señalaron la falta de coordinación en la planificación municipal, mientras que el Ayuntamiento de Villena calificó el encuentro como una coincidencia no intencionada.
Para mayor claridad, yo aconsejo ver el vídeo de Instagram.
Para celebrar el Día Mundial del teatro, además de animar a los teatreros a que disfrutéis de ese misterio muchos años, os recomiendo leer El misterio del teatro, conmovedor artículo de Beatriz Olivenza en loqueescondeelblog.com. Yo también he evocado recuerdos como espectadora y como profesora de teatro en la ESO.
Mi jornada no había empezado demasiado bien, pero al ver los dibujos que representan a personajes inmortales de la escena, transmutados en recortables que se pueden acoplar sobre las figuras de un actor y de una actriz, he sentido que se me calentaba el alma. Hay una razón, aparte del encantador diseño del cartel: es la primera vez en muchos años que esta celebración me pilla haciendo teatro.
Durante un buen rato, me he quedado colgada de mis pensamientos, evocando innumerables recuerdos asociados al hecho teatral ...
En una entrada anterior sobre Las pintoras de mi familia, explicaba cómo su entorno conservador consideraba que pintar no podía ser un oficio para ellas, sinouna afición. Había que formarse para ser maestras de enseñanza por si se quedaban solteras y asistir a clases de corte y confección para convertirse en buenas amas de casa.
Las tuve presentes en la hermosa exposición de 2024 de Isabel Quintanillaen el Thyssen. Paseando por sus salas, envuelta en el ambiente y en los objetos de las casas en las que viví de pequeña, me emocioné hasta las lágrimas. Con belleza y elegancia la pintora retrató el universo íntimo de la época franquista que mi madre no quiso o no pudo reflejar en sus pinturas, preocupada por reproducir láminas de pintores ingleses y franceses de otras épocas.Una guerra ysolo 17 años separan el nacimiento de mi madre (1921) del de Isabel (1938), prácticamente la sociedad era la misma pero ya se observan algunos cambios en el papel que las mujeres desempeñaban. Quintanilla pudo desarrollar su vocación, se formó en la escuela de Bellas Artes, tuvo buenos profesores y compartió su vida con un compañero de oficio. Sin hacer ruido, vivió de su pintura y demostró que pintar era también cosa de mujeres.
El realismo íntimo de Isabel Quintanilla
Ventana con lluvia (1970)
A Isabel no le gustaba tomar como modelo fotografías: "Es copiar". "Si te quieres enriquecer, tienes que ir viendo cómo cambia la luz, cómo se abre una flor, cómo avanzan las sombras. Has de ver algo que te estimule". La pintora eleva los objetos sencillos de la vida cotidiana (un vaso, un mantel, unas flores) a la categoría de arte en una atmosfera íntima de silencio y recogimiento con ventanas que se abren al exterior. En las escenas de la vida domestica aparecen artilugios del momento: un transistor, un radiador, un teléfono, un frigorífico y un elemento que la unía a su madre: una máquina de coser Alfa que utilizó como costurera para sacar adelante a sus hijas. La estancia en Roma junto a su marido en 1966 le abrió nuevos caminos, saltó por la ventana para conectar con el exterior, pintó la vegetación en lucha en una angosta línea del patio y reflejó la arquitectura de las ciudades, los paisajes y las marinas. Como ella misma afirmó en numerosas ocasiones, la pintura era su vida y su vida era la pintura.
Pintoras de oficio
Las mujeres se incorporaron tardíamente a las Escuelas de Bellas Artes, hasta el curso 1920-21 no pudieron asistir a todas las clases, excluidas de las asignaturas que implicaban la copia del desnudo de un modelo vivo. El profesorado exclusivamente masculino intentaba desalentar a las pocas jóvenes que habían logrado ingresar, suponiéndoles menos habilidad y tesón que a los alumnos masculinos porque consideraban que su lugar en el arte no estaba manejando los pinceles, sino como modelos dentro del cuadro. Siempre hubo mujeres que rompieron moldes y pudieron vivir de su arte, pintar se convirtió también en un oficio de mujeres en el clima de libertad de la Segunda República,aunquesiguieron siendo una minoría hasta bien entrado el siglo XX. En los años posteriores a la Guerra Civil, los modos y las costumbres de la sociedad española, dominados por el peso de la Iglesia en los asuntos morales, los problemas económicos y las leyes laborales discriminatorias, dificultaron su acceso a las enseñanzas artísticas: pintar para una mujer volvía a ser un asunto para entretenerse y entretener. Pocas mujeres contaron con el apoyo de su familia al iniciarse en la pintura, pues el mundo externo era considerado peligroso y no indicado para las señoritas de buena familia. Solo algunas disfrutaron de becas en el exterior, se presentaron a concursos, contactaron con galerías de arte y realizaron exposiciones consiguiendo un hueco en el mundo artístico. Únicamente se convirtieron en pintoras de oficio al vender sus cuadros.
En la posguerra, destacaron sobre todo las pintoras realistas. Son testigos de su tiempo. Pintan lo que ven sus ojos. No siguen modas ni vanguardias. Mujeres de distintas generaciones y reconocido prestigio, como Amalia Avia, María Moreno, Isabel Quintanilla, Esperanza Nuere, Clara Gangutia, Jordina Orbañanos, Leticia Feduchi y Alicia Marsans.
